说起歌剧，大家脑海里首先想到的可能是普契尼（1858-1924）、罗西尼（1792-1868）这些耳熟能详的名字。的确，他们的歌剧——如《蝴蝶夫人》、《塞维利亚理发师》，有着脍炙人口的戏剧情节和唱段，易于理解和传播，因而成为最为大众接受的歌剧作品。
但“歌剧”这种艺术形式，其实自文艺复兴时期（16世纪末）就诞生于意大利，此后一直存在于人们的音乐生活中，且不同时期、不同国家的风格都跟随当时的社会和文化背景而变化。因此，我们较为熟悉的那部分浪漫主义时期的歌剧，远不能代表西方音乐历史上歌剧发展的全貌。
歌剧的“误会”
然而，要充分理解歌剧的定义，就必须了解到，它的诞生纯属一场 “误会”。400 年前，文艺复兴的春风席卷欧洲大地，文学、美术中硕果累累，直到这时音乐似乎才如梦初醒，欲与姊妹艺术一争高下，也想恢复失地，再创曾有过的希腊式的辉煌。
于是，一群文人智士聚在佛罗伦萨贵族巴尔迪的客厅里，商讨复兴古希腊戏剧的宏图大业。他们认定在古希腊悲剧中，音乐一定占据着重要地位。但由于古希腊没有录音，也没有记谱，没有人真正知道古希腊的音乐到底是怎么回事。
于是，他们凭借想象，认定音乐必须像在古希腊悲剧中那样，必须走上舞台，直接参与戏剧的紧张冲突，以自然的人声吟唱唤起观众的强烈感情。这一来，就无意间促成“歌剧”这一新兴品种的诞生。（杨燕迪《歌剧的误会》）
这一音乐与戏剧的联姻，起初定义为“以音乐承载的戏剧” (drama per musica)，希冀语言主导音乐，却不料在之后的发展中为满足大众的娱乐需求，在对美轮美奂的咏叹调的痴迷中越走越远，戏剧性被大大削弱，这才有了后来的格鲁克的歌剧改革。此为后话。
巴洛克歌剧是什么
那么，在西方文明史中，巴洛克时期的歌剧又是什么样的？
一般认为，巴洛克歌剧盛兴于1600年至1750年，上承文艺复兴，下启古典主义。（“巴洛克”这一术语本来指17、18世纪德国和奥地利装饰华丽的建筑风格，借用来描述从1600年到1750年和1759年巴赫和亨德尔逝世这一时期发展起来的、可与之比拟的音乐。）就形式还是内涵而言，都包含了歌剧这一体裁最早的革新与创意，因此意义非凡。它既是意大利人追求声韵美的艺术产物，也是借助王权力量迅速勃起的人文产业。
巴洛克歌剧的一个特征是“Monody”（单声歌曲）形式，也就是一段旋律大多由一位独唱歌手唱出，而那些巴洛克乐器在背景处伴奏，这近于主调音乐的形式很大程度与文艺复兴时期的复调声乐演唱区分了开来，也就是说人声的织体反而变得单一纯净。
从声乐技巧上看，具有男性肺活量与女性音域的阉人歌手成为了炙手可热的明星。相对于宣叙调只是作为穿插与陪衬，咏叹调的地位大大提升，被赋予了深刻的表现力，它们的形式发展为了ABA结构（即所谓的“da capoaria”），即在对比性的中间段落后从头反复第一段落。日后，此形式被逐渐打破。
同时，歌手的伴奏变得讲究起来：称为通奏低音（basso continuo）的低音乐器，比如大提琴或者能演奏和弦的低音键盘乐器（如羽管键琴等）承担了重要席位，而其他乐器则时不时地在中高音声部间成为点缀。正是那些根据剧情变化所大量使用的新乐器（及其各种组合），也让巴洛克歌剧区别于早期的声乐吟唱。其实，就算与后来较强调戏剧性与对比度的古典主义时期歌剧比较，巴洛克歌剧的配器依然算得上复杂，尤其以浓郁的装饰色彩成为了歌剧史上一道靓丽的风景线。
最重要的一点是，这一时期的歌剧大多为宫廷的庆典场合而作，排场奢华和壮观，而歌剧的题材多源于希腊神话传说和古代历史故事。我们无法忘记，不管是在音乐还是非音乐领域，它们对于后世的影响都是显著的。比如人们开始热衷在戏剧的幕间插入一些音乐性很强的表演段落，又抑或大量的古希腊或文艺复兴时期的剧本被赋予了第二次生命。（本段摘自《音乐地图》“巴洛克·歌剧·女王”一文）
