如何正确认识学习声乐的过程，并在这个过程中逐渐建立符合自身条件的科学辩证的声乐学习方法？
       学习声乐的朋友都曾有过这样的疑惑：按照老师的要求认真地练习一周之后去回课，老师又会提出与上节课不同的要求。比如上节课要求向后唱，这节课又提出向前唱，上节课要求高位置进头腔，这节课又要求深呼吸、气沉丹田。搞得学生犯蒙，顾上顾不了下，顾东顾不了西，对学习声乐产生了畏难的情绪。出现这些疑惑是每个人在学习声乐中都要经历的一个必然过程。声乐学习的过程就是不断调整协调发声器官与呼吸器官、共鸣器官、语言器官和谐运动的过程。正确地认识这个学习过程，应该对声乐学习的特色性有所了解。

1、演唱者既是乐器的制造者，又是乐器的演奏者。他永远不能像观众一样客观准确地听到自己真实的演唱（听录音是另外一回事）。

2、发声过程无论演唱者自己，还是声乐老师都无法直观地看到声带的运动，要凭听觉来判断、分辨。气息与声带、声音与共鸣的关系，全靠演唱者的感觉来控制，而老师的判断则靠对音响的分析和经验。声乐老师的许多要求有明确的时效性。在文章开头讲到学生对老师提出要求的疑惑，就是因为老师在听了学生的演唱后，针对当时所发出的音响提出了调整的新要求。学生按照老师的要求去实践就对了，而不应该疑惑。整个声乐学习的过程永远处在不断的调整与平衡的过程。我认为这也是声乐学习的魅力所在。

3、演唱者在演唱时自我的听觉与客观的音响存在着很大差异（特指初学者）。主观听到明亮、结实的声音往往是挤出的缺少共鸣的声音；而主观听到的暗淡、空洞的声音，客观上往往是好听的正确的音响。

4、由于演唱者之间身体的差异、文化教育的差异、性格的差异、对事务认知上的差异、声部和音色上的差异、演唱者对演唱的体验也会产生很大的差异。

    那么，怎样才能建立一个较好的学习方法呢？

1、对发声原理应该有一个基本了解：气息是发声的动力（如同小提琴的琴弓），声带是发生源(如同小提琴的琴弦)，身体是共鸣器官（如同小提琴的琴身），这三者积极协调的运动，产生了优美的声音。

2、对自己的声音条件、音色特点、适用音域、演唱水平有一个客观的认识（如有条件，可到专业医院做一个嗓音与声部的鉴定）。

3、学习声乐切不可急功近利，幻想一夜成名、一曲成名。学习声乐的过程是一生的过程，是一辈子也做不完的学问。不要幼稚地认为自己已经掌握了歌唱的真谛与秘诀。声乐学习没有终点，永远有新的感觉、新的体验。不要轻信通过几堂课就保证解决你声乐技术难题的宣传。学习声乐的过程，是对发声器官、呼吸器官、共鸣器官的协调训练与肌肉能力训练的过程，需要时间的积累。通过由浅入深、循序渐进、持之以恒的训练，逐渐地提高自己的演唱能力。

4、多想少唱，先想后唱，建立“内视”的习惯。唱之前，先把歌唱状态想好，脑海里有一个整体上较清晰的发声状态：身体挺拔、松弛，气沉丹田，打开喉咙、喉位下移，放松下巴、软腭提起，放平舌头，面带微笑，睁开眼睛……这一切都是在瞬间同时做到的。

5、辩证地认识向前唱与向后吸、向下放与向上哼、松弛与紧张的关系，这些要求都是一个事务的两个方面，不可忽视与偏颇。如同一只手：由手心与手背组成了一只完整的手。声乐学习最普遍的问题是顾此失彼。建议大家在训练中永远围绕发声器官、呼吸器官、共鸣器官这三方面来思考、协调，在整体的歌唱状态下才练习发声是最重要、最根本的。

    希望以上意见能对朋友们有所帮助。