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人们对交响音乐常有一个先入为主的印象：篇幅太长，结构又复杂，除了音乐专家，谁都很难听懂。其实，交响音乐（交响曲、交响诗、管弦乐序曲等）和其他体裁形式的音乐一样，是作曲家用以表达对周围世界内心感觉的一种方式。拿交响曲来说，作为大型的、多乐章的套曲形式，它是由几个不同的单个乐章（也就是比较小的音乐结构）连接而成的；乐章之间，既有区别，又连成一个整体。我们如何来欣赏这种大型的音乐作品呢？要回答这个问题，需要先想想你是怎么听音乐的？
任何一位音乐爱好者在聆听音乐的时候，首先会被悦耳或奇妙的音响所吸引；接着，他也许不能满足，还想在音响的后面再听出点儿东西来。一般来说，人们常常希望音乐象小说、戏剧一样，能叙述出一个故事情节来；或者象绘画、摄影那样，能表现出具体的形象和画面。如果怀着这种向往去听音乐，恐怕会感到失望。诚然，音乐并不排斥想象，有些作曲家在进行创作时，就有用音响直接来描绘自然界的愿望，如果他的“描绘”成功了，听众就有可能产生共鸣，进而想象出同样的景象。有时，作曲家对自己的音乐创作所做的解释，尤其是某些音乐作品的文学性标题，更会促使你有目的、有指向地去联想，但即使是这样，事与愿违的时候也还会很多。常有这种情况：你事先已知道乐曲的标题，看过作曲家的表白或评论家的介说，然而，听着音乐，你的头脑里根本浮现不出这些文字资料提供或暗示的情景来；更不用说其他大量非指向性的音乐，比如无标题的交响曲了。如果你硬要想象出个所以然来，就难免闹出笑话。
因此，音乐家们经常建议人们去学会聆听音乐的本身。这首先要了解音乐语言的各种基本要素，诸如旋律、节奏、和声、音色、织体、结构等，知道这些音乐专门术语的具体含义是什么。比如，要想搞明白交响曲这种最复杂的体裁，就要先碰碰由两部分、三部分构成的个别乐章或简单乐曲，初步了解长大的音乐，是如何由各个部分结合而成的。因为，要想探寻交响曲的内容，必须明白作曲家为这部具体作品，选择了什么样的形式结构，知道体现作曲家思想的主要的音乐旋律——主题是什么，并掌握住各个主题旋律在音乐发展过程中的变化和发展。在音乐作品中，主题的呈示、变奏与再现是有不同规律和原则的。在形式结构范围内，这些规律被归结为三部曲式、变奏曲式、回旋曲式、奏鸣曲式等等。只有对它们的各自特征基本了解后，我们才能真正地去听音乐。音乐确实是能激起各种情感的，并由此而表达不同的情感内涵，这一切都要通过一系列具体的音乐手段来实现。认识这些手段，是我们理解音乐的必由之路。
天下什么事情都是一回生、二回熟。开始听交响曲时，常会听着听着就走神了；多听、边听边学，慢慢就会听得入门，听得“全神贯注”，紧随着音乐的进行而感情激荡。
无标题的交响曲比较难，我们可先从标题性的管弦乐曲开始；一部交响曲太长，我们就一个一个乐章来听，而且可以先从第二、第三乐章开始学着听，因为这两个乐章的形式在古典交响曲中一般来说比较简单。整个乐章听起来，印象混杂，一下子记不住，就先学会找出它的主要旋律，并用心记住它；再学着听出这个旋律在乐章中的变化或再现。然后，再逐渐领会节拍和节奏的不同韵律，学会辨别不同乐器及乐器组合的音色差别；接着，再去接触交响曲中比较复杂的问题：和声与结构。纵然这么个听法会让我们遇上不少的障碍，但这正是交响音乐具有丰富的内涵，因而吸引众多爱好者去欣赏的原因。如果我们不避开它们，就可以随着这些课题的解决而走进音乐的大门，去享受那种特有的美感和愉悦。当然，要是你想深刻理解交响曲的含意和韵味，你不会就此止步，众多交响曲不同的音乐风格，会进一步吸引你去了解作曲家的生平、个性以及他生活的时代，当时的思想信仰、艺术氛围、审美趣味等等。
为了使读者容易了解这种复杂的音乐形式，在作品的选例中，也包括了一些和交响曲内部结构相通的歌剧序曲、交响诗等管弦乐曲。我们想通过对这些音乐历史上著名作品的分析，使读者逐渐熟悉并理解交响曲，进而引起浓厚的兴趣，自己主动地扩大视野，聆听、积累更多的交响音乐文献。
交响曲的形式
在西方音乐上千年的历史发展中，交响曲不是一下子就形成的。它作为一种大型的器乐套曲形式，经历了好几百年的发展，是许多音乐家不断创作、实践和探索的结晶。
在古代和中世纪的欧洲，器乐是同歌唱、舞蹈结合在一起的，吹、拉、弹各种乐器基本上是在为“唱”起着伴奏的作用。后来，一种或几种乐器独立地奏起了歌唱的旋律，它起初是简单的对声乐的模仿，之后就具备更多的器乐特性，尽管它们那时篇幅还不太长，也并不复杂。
到了文艺复兴时期，器乐音乐有了飞速的发展，形成了自己较为独立的形式。多种乐器的合奏形式在意大利的威尼斯时兴开来，十七世纪产生于意大利，尔后遍及欧洲的新音乐体裁——歌剧，为器乐合奏提供了更广阔的天地。除去剧中为歌唱伴奏以外，在歌剧开始前，有独立的器乐合奏作为引子（序曲）；在剧中间，也有器乐合奏作为间奏。在交响乐发展史上，歌剧序曲就成为交响套曲的雏型，它的包含速度对比的多段落结构，与后来的交响曲结构近似。当时最流行的“意大利式”歌剧序曲，速度结构是快、慢、快，而“法国式”歌剧序曲则是慢、快、慢。前者的第二个快速段落又常采用舞曲形式。同一时期，其他的器乐独奏或重奏形式（如小提琴、大提琴、古钢琴等），也具备了这种多段性和舞曲性，这些器乐曲由以不同速度、节拍等手法形成的性质各异的音乐段落构成。比如意大利作曲家塔蒂尼写的著名小提琴曲《魔鬼的颤音》，用的是当时流行的器乐曲形式——三重奏鸣曲，它的几个不同段落，包括了小广板、强有力的快板、庄严的速度、活跃的快板及慢板等速度和表情。而用各种各样的流行舞曲体裁来进行创作，更是当时作曲家所喜爱的方式，或为舞台上的芭蕾舞伴奏，或作为独立的器乐曲，如小步舞（menuet）、回旋曲（rondeau）、布列舞曲（bourree）等，都成了器乐曲的形式名称。法国作曲家库泊兰用十七、十八世纪欧洲最流行的古钢琴创作的古典组曲，就是由速度、节拍、性质不尽相同的各国舞曲（德国的阿勒曼德舞曲、法国的库朗特舞曲、意大利的萨拉班德舞曲等）结构而成，这些舞曲的结构和性质，后来被交响套曲形式所包容。
总之，各种多段结构的器乐曲形式对交响套曲的形成都起了重要的作用。当时人们称这些序曲和器乐曲为“sinfonia”，即后来对交响曲的定名。十八世纪中叶，歌剧序曲开始从剧院搬到音乐厅单独演奏，一时间，欧洲掀起了创作与演奏sinfonia这种独立的管弦乐曲的风潮。巴赫的儿子，北德乐派的巴赫和波希米亚的曼海姆乐派就是其中的佼佼者。他们创作的交响曲虽然并不规范，但在乐章之间的对比、乐章内部的发展手法等方面，成为古典交响曲的先声。曼海姆乐派的乐队以编制规模完备、演奏水平不同凡响而享誉欧洲。当时有位音乐学者这样描述道：“世上的乐队没有比曼海姆的乐队演奏得更好的，它的‘强音’有如雷鸣，它的‘渐强’有如瀑布，它的‘渐弱’有如向远处潺潺流去的明澈小川，它的‘轻音’有如春天的私语”。这些成功的演出，激起欧洲各国作曲家创作交响曲的欲望，并提供了大量实践的机会。
就这样，在经过了很长时间的酝酿之后，交响曲这种多乐章结构的器乐曲，终于正式登上音乐舞台。它在十八世纪末叶，以海顿、莫扎特为代表的“维也纳乐派”的创作中得以完善，成为古典交响曲的范式。接着，交响曲被贝多芬推向了音乐艺术的巅峰，它以前所未有的巨大力量，震撼着当代和后世人们的心灵。十九世纪欧洲各国的作曲家，又以自己独具个性的音乐作品丰富了交响曲领域。尽管在不同的历史时期，它作为传统的形式也曾受到过怀疑和冲击，但始终有作曲家热爱并坚持发展着交响曲的创作。直至今日，交响曲仍然以它特有的魅力，吸引着众多作曲家和情有独钟的爱好者们。
