瓦格纳听了一首刻画苏格兰海岸佳绝景观的乐曲《芬加尔山洞》。他赞叹他的德国前辈“第一流的风景画家”。门德尔松用听觉的元素，作了视觉上的绘画，于是，就有了“音乐画家”这个称谓。

　　俄国那位化学家包罗丁，将音符与色彩“化合”，创作了描写吉尔吉斯草原的乐曲《中亚细亚草原》。此作，让音乐世界多了一个新体裁“交响音画”。

　　从瓦格纳为门德尔松命名，到包罗丁为乐曲命名，总之，“画”走入了音乐疆域，让音乐家跨界，成了带引号的“音乐画家”。

　　溯源“音”与“画”，标题音乐，开拓了视觉空间。诚如李斯特所说：“标题能赋予器乐以各种各样性格上的细微色彩。”如此，17世纪维瓦尔第的小提琴协奏曲《四季》，依照标题，以音符的“细微色彩”，刻画了春的甦醒、夏的豪雨、秋的斑斓和冬的嬉戏。接着，18世纪的贝多芬，他虽絮叨“抒发大于刻画”；但《第六（田园）交响曲》，却有惟妙惟肖的音乐刻画——溪水、闪电、暴风雨以及雨过天晴。

　　19世纪，包罗丁创造了“音画”。20世纪，法国人德彪西与绘画纠缠在一起。他的《大海》叫作“交响素描”；他的《夜曲》叫作“交响三联画”。就连他开创的乐风，也受到印象派画家马奈名作《日出·印象》影响，嬗变为音乐史程上一个绘画式的音乐概念——“印象乐派”。

　　当然，还有诸多不称“音画”却以画为题的作品。如李斯特的交响诗《匈奴之战》，取材于德国画家考尔巴赫的壁画；如穆索尔斯基《图画展览会》，灵感来自于画家哈特曼的“古堡”“市集”“基辅城门”等画作；又如20世纪德国作曲家亨德米特，以15世纪画家马蒂斯·哥伦奈华特的三幅宗教画为题，创作了交响曲《画家马蒂斯》。

　　这些出自画里画外的音乐作品，是作曲家以“画家”身份，以音符“色彩”，留下的音画之作。音乐家倾情于丹青，源自音乐本身的“色彩”元素。这在科学界和音乐界皆有认知。

　　古希腊时期就有关于音乐与视觉艺术关系的探讨，并聚焦在调性上。现代科技的发展，证明了八度音程内的七个音符，声波频率与相应光波中的七种色彩频率基本相符。英国科学家牛顿曾验证：红、橙、黄、绿、蓝、靛、紫七色，相当于C、D、E、F、G、A和降B音阶的七个音符。德国人基歇尔提出：音乐是光线的模仿，二者可互为表达。1720年，法国人路易斯·卡斯勒在《音乐与色彩》一书中，把声音界域与光谱色带按比例对照，发现最低音是红色，最高音是紫色。

　　此后，更有一些音乐家作感性叙说。1876年，音乐家波萨科特把黑色比作弦乐，把铜管与鼓类比作红色，把木管比作蓝色。同时段，俄国作曲家里姆斯基—柯萨科夫认为：调性中的C大调为白色、G大调为棕黄色、D大调为金黄色、A大调为玫瑰色、E大调为青玉色、B大调为铁灰色、#F大调为灰绿色等。他的后辈斯克里亚宾则认为：C大调为红色、G大调为玫瑰色、D大调为黄色、A大调为绿色、E大调为浅蓝色、B大调为铁灰色、#F大调为湛蓝色等。1929年，俄国作曲家萨巴涅夫又发议论，认为：C、D、E、F、B这五个音符，相当于灰、黄、青、红、绿五种颜色。

　　音乐家也以色彩为主题进行了创作。英国作曲家勃里斯的《彩色交响曲》，第一乐章是“紫色”，象征高贵、死亡；第二乐章是“红色”，象征勇敢、欢乐；第三乐章是“蓝色”，象征华贵、忧伤；第四乐章是“绿色”，象征着青春、希望。

　　此外，人们还以色彩形容了音乐大师：莫扎特是蓝色的、肖邦是绿色的、贝多芬是黑色的、瓦格纳则闪烁不同色彩，等等。英国作曲家埃尔加就直说了：英国音乐是白色的。

　　自古以来，音乐与色彩无疆界。于是，音乐家让音乐入画，当了“音乐画家”。从感受与欣赏来看，这给爱乐者一个新视角。诚如法国作曲家梅西安告诫听众：“必须对色彩敏感，懂得声音与色彩之间的联系。”

　　当然，那些带引号的“音乐画家”之中，也有真画家。如门德尔松的苏格兰旅游日记，有音符也有绘画。这日记式的苏格兰素描，让人惊讶。而绿茵掩映城堡的水彩画，有多层次透视和逼真色彩，显示出这位“第一流风景画家”，名副其实，音画皆成。

　　此外，音乐史上还有颇具才华的画家。20世纪初叶，“新维也纳乐派”领军人物勋伯格，曾用现代笔法，为与他一起创立“十二音体系”的学生贝尔格画了油画肖像。美国的格什温创造了“爵士风格交响音乐”，他还擅长油画，为自己留下一幅颇有神采的自画像。

　　音乐家步入绘画，这是具有高超形象思维的艺术家跨界直抒胸臆。摆弄音符的音乐家，无师自通成为画家，是因为音乐自身具有色彩。交响音乐有一门调配乐器色彩的学问，叫作“配器”。在《配器法》中，柏辽兹说：“要给旋律、节奏、和声配上颜色，使它们色彩化。”因此，音乐色彩让音乐与音乐家颇多作为；这才有了站在我们面前的“音乐画家”与画家！