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对于一个优秀的小提琴演奏家来说，除了要具备优美纯正的发音和掌握精湛的技巧外，还必须对音乐内涵有高度的敏感和刻意的追求，对作品的处理有独特的风格和创新精神，也就是说要有好的乐感—这是小提琴演奏艺术的灵魂。
多才多艺、有着广泛艺术爱好并以音色变化美妙精致、音质优美超人的美籍俄国小提琴家米尔斯坦认为:“天才必须具备两条，第一是要有丰富的想像力，充满感情地演奏；第二是要通过专心而稳定的学习，获得好的演奏技巧。”他认为:“有的提琴家技巧很好，但缺少细致的表现力；有的提琴家对音乐有良好的感觉，但缺乏表现手段—高度的技巧。”伟大的小提琴教育家加拉米安同样认为:“一个好的演奏家应当将完美的演奏技巧和可以使每个人理解、信服的音乐表现能力结合在一起。”由此看来，乐感和技巧两者缺一不可，而很多小提琴演奏者往往对前者是重视不足的。
有人说乐感是天生的。其实所谓的先天条件好和所谓的天才实际上是指他们比一般人在对音乐的理解和接受能力上更快一些而已，而这一切是与家庭以及社会环境的影响等客观因素分不开的。当然也有不少出身音乐名家的子弟，尽管有着超越一般的条件，但却并未成才，原因就在于主客观条件并未统一，或者他们根本没有从事音乐的愿望。
有的孩子每当拿起琴来心里马上就会有歌唱的要求，在任何情况下都处于一种乐观、自信、松弛的状态，并且有着强烈的表演欲望。他们在老师的指导和启发下，对乐曲掌握得很快，这种才能的显露虽然可贵，但它绝不是乐感的全部体现。另有一些孩子过多注重自己演奏时的外在表现，在家长充满自信地击打节拍的伴随下，摇摆着身子，晃动着脑袋，演奏着维瓦尔迪的《a小调协奏曲》。尽管在技术上还有些难为孩子，但人们仍有可能为其天真可爱而鼓掌称好。但是到了七八岁，大家就会感到这些无目的的摇晃完全是多余的，而十几岁后，你便感觉这种仅仅表现在外的自得其乐是多么的令人讨厌。这是因为人们喜欢和追求的是美好动听的音乐，那些在演奏中带给人们视觉上的一切动作只有与音乐的内涵自如地、恰当地融合在一起时，才能真正有助于感染观众。
乐感的好坏既反映在对作品的理解和对风格的掌握上，同时又体现在对乐曲的技术处理上，这一切都将通过歌唱般的演奏传达给观众。很难设想一个初学琴的孩子能懂得莫扎特、巴赫、贝多芬作品风格之间的区别，当然更不可能懂得古典作品和现代作品在音乐处理和演奏方法上的截然不同，不管有什么样的才能，都有一个需要努力学习和感受的问题。作为指导教师，除了传授演奏技巧，更重要的是要使学生学会表现音乐，包括作品内容、时代风格、曲式结构、演奏方法等等，使学生真正懂得如何用琴去歌唱。
把有些学生在音乐个性及想像力方面的能力展现得较晚或较慢看成是毫无希望而放弃，这是完全错误的；对学生采取一句句模仿式的教学，其结果必然也会使学生的演奏平庸和毫无个性，他们将始终找不到那种音色上的微妙变化。因此，应该要求学生多听(从不同演奏家的演奏风格中去寻找最好的音乐表现)，多想(从作品中去研究、分析不同弓法和指法的科学性)，多练(从各种练习中去认真思考和寻求最能达到作品要求的演奏手段)，要认真地对待每一个音符，包括那些强、弱、快、慢，以及作曲家谱面上所标明的所有表情记号，用最大的努力去体现作者想要表达的音乐内容。每一个演奏者只要以认真的态度学习，随着年龄的增长、文化的提高、视野的开阔、知识面的拓宽以及理解力的加深，乐感是会不断丰富的，而这些正是一个演奏者音乐灵魂的升华过程。
